I casi Attolini e Rubinacci

Parallelamente alla diffusione del cinema, la moda inizia a dilagare attraverso gli stessi canali e con le stesse modalità. Napoli ha visto il fenomeno della moda trasformarsi in un elemento chiave della vita quotidiana, influenzando il modo in cui le persone si vestivano e si presentavano nella società.

I luoghi di socializzazione, tra cui la Galleria Umberto I, i vivaci café, le sale cinematografiche e i magazzini Mele, sono diventati non solo le arene del cinema, ma anche i posti in cui la moda ha fatto la sua entrata trionfante. In particolare, l’influenza esercitata dai magazzini Mele ha portato a una democratizzazione della moda stessa, con significative implicazioni socioculturali.

Nello specifico, si è assistito a un cambiamento nel comportamento della borghesia, la quale, tradizionalmente incline a emulare gli abiti e lo stile di vita dell’élite, ha trovato nell’ampia disponibilità di beni presenti presso i magazzini Mele l’opportunità di accedere liberamente a prodotti che riflettevano il lusso e l’eleganza propri dell’élite stessa. Tale democratizzazione ha contribuito a ridefinire i parametri sociali e culturali legati alla moda, consentendo a una fascia più ampia della popolazione di esprimere il proprio status e le proprie aspirazioni attraverso l’abbigliamento e gli accessori. I luoghi di aggregazione, dunque, sono diventati palcoscenici dove questo fenomeno ha trovato la sua massima espressione e si è mescolato con la cultura urbana.¹⁷

L’aspetto complementare dell’industria della moda è storicamente rappresentato dall’arte sartoriale. Analogamente alle prime case cinematografiche che portavano la firma di famiglie intraprendenti, anche le sartorie che hanno vestito il cinema hanno radici familiari profonde. Tale connessione si rivela particolarmente evidente nelle sartorie di abbigliamento maschile, dove la realizzazione degli abiti è diventata un’arte di lunga generazione, trasmessa con dedizione di padre in figlio ed estendendosi a tutta l’ampia schiera di allievi e apprendisti che vi hanno collaborato.¹⁸

La passione per il lavoro sartoriale si traduce in guardaroba impeccabili, indossati da attori e personaggi cinematografici, contribuendo a plasmare l’estetica e lo stile dei film. Questa sinergia tra l’arte sartoriale e il cinema rappresenta un connubio perfetto, in cui l’impegno familiare e la dedizione all’eccellenza si fondono per creare un patrimonio di stile che dura nel tempo. In questo modo, le sartorie napoletane non solo vestono il cinema, ma contribuiscono a narrare storie attraverso l’eleganza e la raffinatezza dei loro abiti, perpetuando così una tradizione artigianale di grande prestigio.

Tra le storiche case sartoriali che hanno contribuito a plasmare l’eleganza degli attori cinematografici napoletani, spiccano con grande rilievo i nomi di Attolini e Rubinacci. Queste sartorie, testimoni di un’eredità artigianale che si estende dai primi del ’900 ai giorni nostri, hanno lasciato un’impronta indelebile nell’industria cinematografica vestendo alcuni tra i più illustri attori del panorama italiano.

Esamineremo attentamente questi due esemplari distintivi che hanno giocato un ruolo preminente nel definire il panorama della storia della moda maschile all’interno della tradizione sartoriale napoletana.

Attraverso un approfondimento di queste istanze particolari, s’intenderà delineare il loro impatto e la loro risonanza storica nel contesto più ampio della tradizione sartoriale napoletana.

La nascita della sartoria Rubinacci è intrinsecamente legata alla figura di Gennaro Rubinacci, un vero e proprio Arbiter elegantiarum del suo tempo. Gennaro ha incarnato l’essenza dello stile e della raffinatezza, tanto che gli uomini di buona famiglia ricercavano continuamente il suo consiglio in materia di abbigliamento. Egli è stato una guida preziosa, accompagnando la nobiltà dai propri sarti e offrendo saggi consigli su taglio, vestibilità e stoffe per arricchire i guardaroba di uomini di classe.¹⁹

La presenza di Rubinacci divenne un rito insostituibile per gli uomini dell’epoca, tanto che nel 1932 intraprese una nuova avventura, fondando la propria sartoria, battezzata con il nome di “London House”. Questa iniziativa non è stata solo un passo commerciale, ma un’autentica espressione della sua influenza e dell’importanza che la sua visione della moda aveva assunto nella società dell’epoca.

La sartoria Rubinacci, con la sua sede in via Filangieri, si è affermata come una destinazione d’elezione per coloro che cercavano l’eccellenza nell’abbigliamento su misura. Il savoir-faire di Gennaro, tramandato di generazione in generazione, ha contribuito a creare un marchio sinonimo di stile e classe.

Questa straordinaria transizione da consigliere di stile a fondatore di una sartoria riconosciuta testimonia la forza e l’influenza di Gennaro Rubinacci, il cui legame indissolubile con il popolo napoletano e la creazione di abiti su misura ha lasciato un’impronta indelebile nella storia della moda e dell’arte sartoriale.²⁰ È rilevante notare che Rubinacci ha fornito abiti su misura a personalità di spicco della cultura dell’epoca, tra cui De Sica, De Filippo e Malaparte. Questo è stato reso possibile in parte dalla sua abilità nel produrre, a Napoli, per primo, giacche destrutturate e leggere tra la fine degli anni ’40 e l’inizio degli anni ’50. Tale innovazione ha contribuito significativamente alla sua reputazione e alla diffusione della sua influenza nell’artigianato sartoriale. Ulteriormente, la conferma della sua posizione preminente nel mondo della sartoria si è manifestato nel 1941, quando ha ottenuto il diritto esclusivo di utilizzare lo stemma della casa reale di Umberto di Savoia, l’ultimo re d’Italia. Questo riconoscimento ufficiale ha contribuito a sottolineare la sua autorità nel campo della sartoria fine, consolidando la sua reputazione come punto di riferimento per l’eleganza e l’eccellenza artigianale.²¹

La “London House” diventa il crocevia in cui storia e tradizione si fondono in modo armonioso con l’informalità e l’eleganza. Questo luogo non è stato solo un club, ma è diventato il simbolo di una concezione più libera e personale dello stile, in cui la storia e la tradizione si abbracciano con l’innovazione e l’individualità. Gennaro Rubinacci, con la sua genialità, ha trasformato l’atto di vestire in un’espressione di personalità e creatività, creando un’eredità che va oltre i confini della sartoria e influenzando il modo in cui gli uomini concepiscono la loro identità attraverso l’abbigliamento. Infatti, questo luogo costituiva un’associazione esclusiva e un punto di incontro peri i cittadini più influenti di Napoli. L’opportunità di commissionare un abito su misura o una serie di cravatte era considerata quasi secondaria rispetto all’interazione sociale, alle conversazioni argute e ai discorsi che caratterizzavano gli incontri tra l’élite aristocratica e gli uomini d’affari abbienti.²²

La sartoria Rubinacci si è trasformata in uno spazio polifunzionale, non solo luogo d’incontro per i clienti, ma anche un vero e proprio centro di formazione per coloro che desideravano apprendere l’arte dell’eleganza su misura. In questo contesto, uno dei giovani talenti destinati a lasciare un’impronta significativa è stato Vincenzo Attolini, incaricato di sovrintendere a una crescente squadra di sarti.

Nel cuore di questo ambiente dinamico, Rubinacci e la “London House” diventano i fornitori di abiti per uomini che dominano la scena culturale dell’Italia del dopoguerra.²³ Tra gli illustri clienti spiccano nomi come il rinomato attore e regista Vittorio de Sica e l’uomo di teatro Eduardo De Filippo. È in virtù della connessione instaurata con Vittorio De Sica che si può affermare che la collaborazione tra Rubinacci e l’industria cinematografica ha trovato un ancoraggio significativo. La sua interazione con De Sica non si è limitata alla progettazione di abiti per le produzioni cinematografiche, bensì ha dato origine a un legame di fiducia così saldo che ha consentito all’attore, divenuto successivamente un abile regista, di affidarsi a Rubinacci anche per la confezione di abiti destinati alla sua vita privata. Nel contesto cinematografico, merita particolare menzione il frac realizzato da Rubinacci nel 1937 per Vittorio De Sica nel film Il signor Max.

La vicenda di Gianni, l’edicolante romano, che decide di abbandonare la routine quotidiana per un’esperienza di crociera, costituisce un affascinante esempio di esplorazione delle dinamiche sociali e degli aspetti psicologici legati alle scelte di vita. La sua decisione di investire il ricavato di un intero anno di duro lavoro ad una breve vacanza in crociera può essere interpretata attraverso una lente sociologica, evidenziando il desiderio umano di fuggire temporaneamente dalle responsabilità quotidiane.

Durante la crociera, Gianni si imbatte nell’affascinante Donna Paola, dando vita a un intrigo romantico che si sviluppa attraverso l’adozione dell’identità di Max, l’amico benestante. Questo stratagemma, caratterizzato da una sorta di “mascheramento sociale”, può essere analizzato attraverso il prisma della psicologia sociale, rivelando la volontà di Gianni di presentarsi in una luce diversa per conquistare l’interesse di Donna Paola.

La collaborazione tra Rubinacci, il regista Mario Camerini e probabilmente il costumista Gino Carlo Sensani, si inscrive, per questo film, in un contesto artistico e cinematografico che va oltre la mera creazione di costumi, ma si estende alla rappresentazione visiva e simbolica dei personaggi e delle trame narrative. L’apporto della sartoria Rubinacci aggiunge un livello di autenticità e precisione nel delineare il personaggio del protagonista, il giornalaio che assume l’identità del ricco Max per conquistare l’affascinante ragazza benestante.

Il focus sul frac nel film rivela l’importanza di questo indumento nell’evoluzione della trama. La richiesta al protagonista di possederne uno per partecipare a una serata di gala sottolinea l’elemento del travestimento e l’aspirazione del personaggio a immergersi in un mondo sociale altrimenti inaccessibile. Attraverso il linguaggio visivo, questo indumento diventa un simbolo di status e di aspirazioni, veicolando significati culturali e sociali che arricchiscono la narrazione cinematografica. È plausibile ipotizzare che Rubinacci abbia contribuito non solo con il frac (Fig. 1), ma anche con altri abiti di scena per il film, garantendo coerenza e coesione stilistica nell’abbigliamento del protagonista. La scelta di far indossare sempre al protagonista una giacca con manica a mappina napoletana (Fig.2) può essere interpretata come un elemento visivo che sottolinea la persistenza dell’autenticità del personaggio principale nel corso della trama.

La sinergia tra Rubinacci e Vittorio De Sica continua nel film L’Oro di Napoli del 1954. La creazione di un cappotto per un personaggio interpretato da De Sica — insieme a grandi volti del cinema italiano come Sophia Loren, Eduardo De Filippo, Antonio De Curtis —, che ricopre sia il ruolo di attore che di regista, sottolinea la profonda connessione tra l’industria cinematografica e la tradizione artigianale della sartoria napoletana. Questa collaborazione diventa un caso di studio interessante in cui la moda e il cinema convergono, fornendo un esempio eloquente di come la sartoria possa contribuire all’estetica e alla caratterizzazione visiva di un’opera cinematografica. La decisione di rendere visibile, anche solo a tratti, il logo della casa di alta sartoria Rubinacci (London House) in alcune inquadrature — si può notare, ad esempio, al 13’ — è un esempio di come il regista intenda mettere in evidenza la collaborazione con la sartoria stessa. Questo gesto può essere interpretato come un’implicita dichiarazione di orgoglio nei confronti della qualità artigianale della sartoria napoletana e della sua importanza nel contesto cinematografico (Fig. 3). Dal punto di vista del marketing, questa visibilità del logo può essere considerata come una strategia per promuovere sia il film che l’eccellenza sartoriale.

Oltre a vestire icone culturali, la sartoria diventa una scuola di artigianato, dove giovani aspiranti sarti hanno potuto apprendere i segreti di questa nobile arte. La trasmissione delle conoscenze è avvenuta in un contesto in cui la maestria artigianale si è fusa con la creatività, dando vita a una nuova generazione di talenti che hanno portato avanti il prestigio e l’eredità di Rubinacci.²⁴

In questo modo, la sartoria Rubinacci non solo incide sul panorama della moda e dell’eleganza, ma anche sulla formazione di nuove generazioni di artigiani, consolidando il suo ruolo di punto di riferimento per l’arte sartoriale napoletana e italiana.

Attolini, invece, traccia un percorso rivoluzionario all’interno della sua bottega sita in via Vetriera; di fatti, tra le mura di quell’atelier, sembrerebbe essere nato un capo d’abbigliamento senza precedenti, una giacca che sfidava gli standard dell’epoca, completamente destrutturata e lontana dall’austerità dei completi impeccabili provenienti dalle eleganti sartorie inglesi di Savile Row.²⁵

Negli anni ’30, Napoli brillava come una delle città più raffinate ed eleganti d’Italia. La moda napoletana, all’epoca, rappresentava un amalgama tra lo stile inglese, con le sue radici profonde, e le influenze francesi e spagnole, conferendo alla città un’identità unica che ben presto sarebbe diventata celebre in tutta la penisola.

Per quasi tre decenni, dall’inizio del XX secolo fino agli anni ’30, lo stile napoletano si è riflettuto quasi integralmente nello stile inglese. Nonostante le differenze climatiche, con un clima decisamente meno freddo rispetto alla Gran Bretagna, e la scomoda rigidità delle strutture dei vestiti, i napoletani hanno sentito la pressione sociale di vestirsi seguendo i canoni britannici per essere considerati veramente eleganti.²⁶

L’ispirazione di Vincenzo è scaturita dalla sua attenzione alle esigenze dei suoi clienti, che lamentavano la pesantezza e la limitazione dei movimenti nelle tradizionali giacche. Determinato a offrire una soluzione pratica e confortevole, il maestro sartoriale ha ideato un capo che ha segnato un’innovazione nella storia della moda. Senza sapere quanto il suo gesto avrebbe influenzato il panorama fashion, Vincenzo Attolini ha creato una giacca che andava oltre la semplice vestibilità, inaugurando una nuova era di stile.²⁷ Secondo quanto riportato dalla famiglia Attolini nel loro magazine “Timeless FW 2023/24”, difatti, il merito dell’ideazione della giacca napoletana secondo gli stereotipi contemporanei va al nonno, Cesare, che ha stabilito gli standard iconici oggi riconosciuti. Il suo contributo si è focalizzato sulla necessità di sviluppare un capo d’abbigliamento che offrisse una vestibilità più confortevole, adeguandosi alle esigenze del clima caldo di Napoli e al temperamento vivace dei suoi abitanti. Questa visione innovativa ha contribuito in modo significativo alla diffusione della fama della giacca napoletana nel panorama internazionale dei capispalla.

L’eredità di questo audace pioniere è stata portata avanti con maestria da suo figlio Cesare, che non solo ha mantenuto viva la fiamma della creatività, ma ha perfezionato il modello originale adottato da suo padre, elevandolo ai massimi livelli qualitativi. Così, attraverso le generazioni, la visione di Vincenzo Attolini ha continuato a brillare, lasciando un’impronta indelebile nella moda italiana e mondiale.

In relazione alla sartoria Attolini, si evidenzia una rilevante sinergia con l’industria cinematografica, particolarmente connessa alla collaborazione instaurata con l’acclamato attore Toni Servillo nel contesto della realizzazione del film premio Oscar La Grande Bellezza (2013).

Jep Gambardella, protagonista del suggestivo scenario cinematografico delineato da Paolo Sorrentino, emerge come un’icona della vita notturna di Roma, una figura enigmatica che ha incantato gli spettatori per decenni. Il racconto della sua storia si snoda attraverso i lussuosi locali notturni, le feste sfarzose e gli eleganti caffè, in cui Gambardella ha danzato sulla linea sottile tra frivolezza e profondità. La storia di Jep Gambardella offre uno spaccato della psicologia umana, affrontando tematiche esistenziali universali. La sua metamorfosi interiore, innescata da questa inaspettata epifania, diventa il punto focale di una narrazione che va oltre la superficie delle feste mondane per esplorare la profondità della condizione umana.²⁸ Sorrentino, attraverso la sua regia innovativa, conduce il pubblico in un viaggio emozionale e intellettuale, sfidando le convenzioni narrative e sondando le complesse stratificazioni della vita di Jep.

Il paesaggio senza tempo di Roma diventa un elemento centrale nel processo di riflessione di Jep. L’arte visiva di Sorrentino si manifesta nella rappresentazione di monumenti e scorci della città eterna, catturando l’essenza intrinseca di un luogo che trascende le epoche. La bellezza di Roma, nella sua forma assurda e squisita, diventa una metafora visiva per la bellezza effimera e complessa della vita stessa.²⁹

Tale convergenza rappresenta un’intersezione peculiare tra l’arte sartoriale e l’espressione visiva del cinema, delineando una connessione tangibile tra il mondo della moda e la settima arte. Un’analisi approfondita di questa collaborazione e degli abiti indossati (completo da giorno monopetto e doppiopetto, frac, tight, smoking) offre l’opportunità di esplorare le dinamiche e le influenze reciproche tra la sartoria Attolini e il linguaggio cinematografico, contribuendo così alla comprensione delle interazioni multidisciplinari che permeano l’industria della moda e del cinema.³⁰

La storia della collaborazione ha lasciato un’impronta indelebile nel mondo della moda cinematografica. Un capitolo di particolare rilievo che non solo ha catturato l’essenza della bellezza visiva, ma ha anche fatto emergere la maestria sartoriale di Cesare Attolini.

Questa sinergia tra il talento cinematografico e l’artigianato sartoriale ha raggiunto il culmine nel 2014, quando La Grande Bellezza ha conquistato l’Oscar. Per celebrare questo successo, l’atelier Attolini ha pubblicato un libretto riccamente illustrato, arricchito da un’intervista esclusiva a Toni Servillo.³¹ Le pagine del libretto hanno colto l’essenza del film, mostrando immagini straordinarie accanto a fotografie dell’attore nell’atelier napoletano, avvolto nella perfezione delle giacche create dallo stesso Cesare.

Questa non è stata l’unica incursione cinematografica degli Attolini. Nel 2008, prima di La Grande Bellezza, hanno contribuito ai costumi del film Il Divo, anch’esso diretto da Sorrentino e interpretato da Toni Servillo nel ruolo del potente politico Giulio Andreotti.

Nell’atmosfera silenziosa e sonnolenta di Roma, all’alba, emerge una figura inquietante e inesorabile: Giulio Andreotti. Quest’uomo, che si distingue dalla massa dormiente, è il protagonista di una narrazione intricata e ambigua che attraversa il tessuto della politica italiana. Il suo non dormire non è solo una questione di attività incessante, ma rappresenta metaforicamente l’incessante opera del potere che lo avvolge come una seconda pelle. La storia di Giulio Andreotti si configura come uno studio di potere, politica e resistenza. La sua figura, incastonata nella trama intricata della storia italiana, offre spunti di riflessione sulla natura del potere, sulla sua durata e sulla sua relazione con le forze controverse che possono minacciarlo.³²

La sfida di incarnare due personaggi così contrastanti ha evidenziato l’abilità degli Attolini nell’adattare la loro arte a diverse personalità. Servillo stesso ha sottolineato la dedizione di Cesare Attolini, il quale, per il ruolo di Andreotti, ha innovato con camicie dai colletti straordinariamente alti e giacche sagomate, trasformando l’attore nel carattere rigido e distintivo del politico.³³

Paolo Sorrentino si distingue nel panorama cinematografico per la sua abilità unica nel comunicare attraverso un linguaggio cinematografico “sui generis”, caratterizzato da una libertà espressiva che sfida le convenzioni tradizionali. Il regista napoletano, con la sua narrazione talvolta misteriosa e intrigante, penetra profondamente nel tessuto sociale e culturale dei luoghi e delle persone, rivelando aspetti nascosti e spesso trascurati. Il suo desiderio di trasmettere un messaggio di potere, lusso e ostentazione emerge in modo eloquente attraverso le sue opere cinematografiche. Sorrentino fa uso di una narrativa visiva ricca di simbolismi e metafore visive, che si traducono in una rappresentazione tangibile del potere attraverso immagini iconiche e lussuosi dettagli scenografici. La sua capacità di portare sullo schermo non solo storie ma anche atmosfere e sensazioni contribuisce a creare un’esperienza cinematografica immersiva.³⁴

Nel suo impegno artistico, Sorrentino non si limita a narrare storie, ma si propone di portare con sé un frammento della sua storia personale e delle radici napoletane. La sua profonda connessione con Napoli si manifesta nel mettere in evidenza i tratti peculiari delle persone e del popolo, catturando l’essenza dell’aria che si respira in città.

L’inclusione degli abiti di Cesare Attolini — disegnati dalla costumista Daniela Ciancio³⁵ — nei progetti cinematografici di Paolo Sorrentino non è solo una collaborazione tecnica, ma un’iniezione di raffinatezza e autenticità nelle trame visive dei film. Attraverso questa sinergia tra cinema e alta moda, il regista napoletano arricchisce il suo linguaggio artistico, evidenziando il potere della moda non solo come mezzo di espressione estetica, ma come componente fondamentale nel tessuto narrativo delle sue opere.

Nel contesto cinematografico della sua opera, la scelta accurata dei colori degli abiti indossati dal personaggio Jep riveste un ruolo di primaria importanza, rivelando una profonda connessione con il simbolismo cromatico e suscitando riflessioni su aspetti socioculturali e psicologici. L’analisi di tali scelte cromatiche può essere esplorata attraverso una lente scientifica, considerando le implicazioni storiche e culturali associate a ciascun colore.

Il protagonista sfoggia abiti dai colori audaci come il nero, il rosso, il giallo e il blu, ognuno dei quali incarna un significato simbolico profondo. Il nero, ad esempio, può essere interpretato come un simbolo di potere politico, richiamando una tradizione che affonda le radici nel XVI secolo, quando il nero divenne indicatore di ricchezza e buon gusto, consolidandosi come una scelta di prestigio nel vestiario aristocratico.³⁶

Il rosso, invece, è associato alla passione, evocando emozioni intense e vibranti. Questo colore, intriso di simbolismo, trasmette un messaggio visivo che sottolinea la vitalità e l’energia emotiva del personaggio di Jep.³⁷ Parallelamente, il giallo, con la sua connessione al sole e all’oro, assume connotazioni di positività, diventando un simbolo di splendore e ricchezza. La scelta del giallo nei costumi di Jep potrebbe essere interpretata come una rappresentazione visiva della sua ricerca di luminosità e abbondanza nella vita.³⁸

Il blu, infine, porta con sé una dualità di significati. Mentre in molte culture è associato alla tristezza, riflettendo sulle sfumature più oscure dell’animo umano, può anche rappresentare la tranquillità. In questo contesto, il blu potrebbe essere interpretato come un riflesso delle complesse emozioni del protagonista, rivelando una profondità psicologica attraverso il suo abbigliamento.³⁹

La costante ricerca di significato nel vestiario di Jep non solo arricchisce la narrazione cinematografica, ma apre anche la porta a un approfondimento delle sfumature simboliche che contribuiscono a definire la complessità del personaggio e del contesto narrativo.

Il regista, con la sua attenzione al dettaglio, si prodiga per mettere in risalto elementi chiave della sartoria partenopea, contribuendo così a creare una narrazione visiva.

Uno degli aspetti più evidenti che emergono dalla pellicola è la presenza ricorrente delle maniche a mappina (Fig. 4), i quattro bottoni sovrapposti sulle maniche, le tasche a barchetta e a ferro di cavallo (Fig. 5). L’attenzione di Sorrentino a questi dettagli sartoriali non è casuale, ma riflette, probabilmente, la sua volontà di immergere lo spettatore nella bellezza intramontabile della sartoria napoletana; crea un dialogo visivo che celebra l’arte dell’abbigliamento locale, inserendo la moda come elemento narrativo e culturale nell’opera cinematografica.

In questo connubio tra cinema e sartoria, gli Attolini hanno dimostrato di essere non solo artigiani della moda, ma anche narratori di storie attraverso i loro capolavori su misura.

I nipoti di Vincenzo, eredi di Cesare Attolini, nel corso di un’intervista rilasciata nel 2016 per il testo Italian Style. Fashion & Films for Early Cinema to the Digital Age di Eugenia Paulicelli, hanno svelato le origini di una collaborazione straordinaria che ha segnato un incontro di creatività e maestria artigianale nel mondo del cinema. Il racconto inizia nel 2008, durante la preparazione del film Il Divo, quando si è verificato un vero e proprio colpo di fulmine tra due mondi: quello della straordinaria sartoria Attolini e l’eccezionale talento dell’attore Toni Servillo.

I nipoti hanno raccontato di aver compreso sin da quel primo incontro le esigenze narrative per le quali il loro contributo sarebbe stato richiesto. La loro missione, semplicemente, era mettere a disposizione i loro costumisti e l’intero know-how a disposizione di Toni Servillo, con l’unico desiderio di contribuire alla costruzione autentica del personaggio che l’attore avrebbe interpretato sullo schermo.

“In queste situazioni, devi riconoscere che i vestiti fanno l’uomo, sia sul set che nella vita di tutti i giorni”, hanno affermato Massimiliano e Giuseppe Attolini. Hanno inoltre sottolineato come Toni Servillo, in diverse occasioni, abbia manifestato profonda ammirazione per la capacità sartoriale di Cesare Attolini nel guidarlo attraverso i suoi abiti nell’incarnare la personalità complessa di Giulio Andreotti. Rivelando il dietro le quinte del processo creativo, hanno spiegato che, abbandonando l’idea tradizionale di eleganza morbida e non strutturata, Cesare Attolini ha raggiunto il successo. Ha realizzato un colletto per le camicie che raddoppiava l’altezza, facendo scomparire il collo di Toni, tagliando le giacche in modo che si curvassero elegantemente sul collo e creando spalle sproporzionate per ottenere una figura curva, costringendo così Servillo ad assumere posture e gesti innaturali e rigidi, per una performance autentica e coinvolgente.⁴⁰

Gli anni successivi hanno visto la collaborazione persistere, questa volta, come anticipato, per il film La Grande Bellezza. Hanno contribuito identificando forme, colori e tessuti che avrebbero incarnato la verve, il gusto raffinato e la qualità estroversa del personaggio Jep Gambardella. In questo modo, la sartoria Attolini ha nuovamente giocato un ruolo cruciale nel plasmare ed elevare l’interpretazione di Toni Servillo, confermando la loro straordinaria alchimia artistica nel connubio tra moda e cinema.